Maria (Ariane Ascaride) lavora come donna delle pulizie presso diversi anziani, i quali le sono tutti molto affezionati. Credendo di non nuocere a nessuno, Maria inizia di nascosto a sottrarre denaro agli anziani che assiste per pagare lezioni di pianoforte per il nipotino.
Un furto effettivamente c’è stato: un’ora e quarantuno minuti della mia vita che nessuno mi restituirà mai. Non mi è riuscito di capire se La Gazza Ladra è una commedia che non fa ridere, un dramma che non fa piangere o un film di denuncia sociale che fa sbadigliare. La storia è quasi inesistente e si accartoccia presto su se stessa, lasciando lo spettatore alla noia di una trama che non ha sviluppo e non desta interesse. I personaggi sono tutti bidimensionali e, nel migliore dei casi, patetici nelle loro motivazioni e azioni, i loro comportamenti sono arbitrari e le loro reazioni confuse. Si potrebbe dire che l’intento del regista francese era quello di mettere in scena uno squarcio di realtà, in cui le persone agiscono senza coerenza in quanto esseri umani confusi e fallaci: ma in questo caso preferisco di gran lunga ascoltare chiacchiere di sconosciuti alla fermata dell’autobus. Almeno mi risparmierei la pedante colonna sonora al pianoforte, impossibile da identificare come intradiegetica o extradiegetica con gran confusione dello spettatore, e soprattutto le inquadrature e gli scorci da ufficio turistico della bella città di Marsiglia.
Interpreti: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun
Nel 1943 Adolf Hitler decide di trasferirsi da Berlino a un nascondiglio più sicuro nella foresta tedesca, nella speranza di sfuggire così a ogni possibile complotto o attentato ai suoi danni. Sempre allo stesso scopo vengono selezionate, nel paesino più vicino al nuovo rifugio del Führer, otto donne giovani e sane il cui compito sarà quello di assaggiare quotidianamente i pasti di Hitler prima che lui li consumi.
Il film è tratto dal romanzo omonimo scritto nel 2018 da Rosella Postorino e ispirato alla vera storia di Margot Wölk, l’unica tra le assaggiatrici di Hitler a sopravvivere alla Seconda Guerra Mondiale, la quale ha deciso di raccontare la sua storia solamente nel 2012, ormai quasi centenaria, tale era stato il trauma procuratole da quell’episodio della sua vita. I personaggi e i dettagli della storia sono inventati, ma alla base rimane l’autenticità del racconto di Margot Wölk e della reale sofferenza delle donne tedesche durante la guerra. Il film è scorrevole e non annoia mai, pur raccontando una storia lontana dai clamori e dalla tragicità delle trincee. Ma anche il rifugio, chiamato la Tana del Lupo, è a suo modo una trincea, in cui otto donne, molto diverse tra loro, rischiano ogni giorno la vita: basterebbe infatti un solo boccone avvelenato, anche se destinato al Führer, per porre fine immediatamente alle loro vite. Vite che si assomigliano, anche se i personaggi, molto ben caratterizzati, sono tutti differenti per convinzioni, speranze e illusioni/disillusioni.
Le Assaggiatrici si aggiunge al lunghissimo elenco di film che raccontano la Seconda Guerra Mondiale, ma la sua forza è nella vicenda narrata, molto poco conosciuta, e nel voler raccontare senza giudicare punti di vista molto diversi, a volte in evoluzione, che le donne tedesche hanno sulla guerra in atto. Dal sostegno fanatico a Hitler, alla disillusione completa, alla speranza forse immotivata; dalla certezza della vittoria al desiderio di sconfitta per la propria patria, purché porti la fine del conflitto e di quella vita che non è vita.
Una visione non certo allegra ma molto meno drammatica di altri film sul tema, che porta a riflettere più che a piangere, pur provando una forte empatia per le vicissitudini di queste donne così lontane eppure così vicine.
Interpreti: Edoardo Leo, Pilar Fogliati, Claudia Pandolfi, Vittoria Puccini, Marco Giallini, Maurizio Lastrico, Rocco Papaleo, Claudio Santamaria, Emanuela Fanelli, Maria Chiara Giannetta
Anno: 2025
Regia: Paolo Genovese
Interpreti: Edoardo Leo, Pilar Fogliati, Claudia Pandolfi, Vittoria Puccini, Marco Giallini, Maurizio Lastrico, Rocco Papaleo, Claudio Santamaria, Emanuela Fanelli, Maria Chiara Giannetta
Piero (Edoardo Leo) e Lara (Pilar Fogliati) sono al loro primo appuntamento. Ma non sono soli: li accompagnano tutte le diverse personalità di ciascuno, ognuna pronta a dire la sua, litigare e prendere a tratti il comando.
Erano anni che non ridevo così al cinema. Follemente, che sulla carta sembrava un Inside Out de noantri, è invece una delle commedia italiane più divertenti che io abbia visto negli ultimi anni. Paolo Genovese in veste di regista e sceneggiatore fa davvero un lavoro egregio nel mettere in scena una cosa molto complessa da rappresentare, cioè le sfaccettature e le contraddizioni della personalità. Dentro ognuno di noi convivono, e non sempre in armonia, un romantico, un sereno, un allupato, un ansioso, un pianificatore, un lunatico… E l’incontro/scontro tra questi lati di una personalità qui sono spassosi e messi in scena con semplicità ma grande efficacia. Ottimo lavoro di tutti gli interpreti, ciascuno perfetto nel suo ruolo e nel gruppo variegato e disfunzionale ma compatto che ognuno di noi ha dentro di sé. Alcune scene credo proprio che rimarranno nella memoria collettiva degli spettatori. Follemente (flolle-mente) si presta senza dubbio anche a letture più profonde dal punto di vista psicologico, ma io ho apprezzato sinceramente il lato comico e leggero.
Solo una nota: Marco Giallini avrebbe bisogno di essere sottotitolato. Io apprezzo la sua espressività, ma quando parla, tra la voce roca, le parole biascicate e l’inflessione romanesca, non capisco proprio nulla.
Il seme del fico sacro, nome scientifico Ficus Religiosa, attecchisce sulle radici di altri alberi e attraverso di esse penetra nel fusto; sviluppandosi infine dilania e uccide la pianta ospite. Questo ci viene spiegato nel prologo del film, ma è anche vero che il Ficus Religiosa è una pianta sacra per alcune religioni come il buddhismo. Con la scelta del titolo del suo film, girato a Teheran in clandestinità, il regista e sceneggiatore Mohammad Rasoulof vuole istituire un parallelismo tra il regime islamico instauratosi in Iran alla vita privata e i singoli individui che lo perpetrano. Il protagonista maschile del film infatti, Iman, lavora dopo la promozione a giudice istruttore governativo realizza che lui e la sua famiglia (moglie e due figlie adolescenti) sono in pericolo su due fronti: da una parte il governo islamico, molto esigente, severo e autoritario verso tutti i suoi dipendenti; dall’altra il fronte rivoluzionario, che vede in tutti i dipendenti dell’odiato governo dei nemici da abbattere. Pur essendo sostenuto senza riserve dalla moglie, Iman percepisce che le figlie invece simpatizzano con i rivoluzionari che chiedono libertà, uguaglianza e giustizia. La paura per la famiglia si trasforma in modo incredibilmente rapido in paura della famiglia, e Iman sembra perdere velocemente tutte le sue certezze, sentendosi impotente e privo di autorità sia sul lavoro che a casa e reagendo a questa paura in maniera scomposta e violenta.
Quello che il regista vuole raccontarci ha una duplice essenza: è la tragedia umana di un singolo uomo e della sua famiglia, narrata con un uso molto sapiente della tensione e un’ottima regia, e la tragedia di un intero paese strangolato da quel governo che dovrebbe prendersene cura come la pianta che si ritrova suo malgrado a ospitare il seme del fico sacro. Ciononostante sarebbe una semplificazione identificare in Iman il cattivo; sarebbe assurdo anche dire che il Ficus Religiosa è una pianta cattiva, mentre non è sbagliato dal punto di vista botanico definirla una “pianta infestante”.
Il regime islamico di Teheran è appunto come una pianta infestante, che distrugge ogni forma di vita intorno a sé indipendentemente dal fatto che collabori alla sua sopravvivenza o meno: non solo chi ostacola questo regime è vittima di repressione e violenza, ma anche chi ne fa parte con sincera convinzione di essere nel giusto viene dilaniato dall’interno e finisce per soccombere alla paura, al dubbio e alla paranoia.
Uno sguardo profondo su una situazione storica, politica e sociale molto complessa, che il cinema iraniano continua a raccontare con coraggio nonostante i rischi che corrono tutte le persone coinvolte (la maggior parte degli interpreti e lo stesso regista hanno infatti abbandonato l’Iran al termine delle riprese).
Il Seme del Fico Sacro ha anche un valore puramente cinematografico nella costruzione di una parte finale tesa e intensa, che rende la durata percepita molto inferiore alle quasi tre ore reali.
Non a caso il film è stato candidato agli Oscar come miglior film internazionale, battuto però dal brasiliano Io Sono Ancora Qui; l’ondata di film di alta qualità che arriva dall’Iran (come ad esempio Il Mio Giardino Persiano o Leggere Lolita a Teheran) però ci deve far riflettere sull’urgenza di denuncia, racconto e condivisione degli artisti che sono in qualche modo legati a quel paese e alle sue fortissime contraddizioni. Una cosa infatti che colpisce molto è il vedere come anche chi fa parte attivamente del regime islamico non disdegni i prodotti della cultura occidentale (nel corso del film la Coca Cola scorre a fiumi, e una delle ragazze indossa una felpa con sopra Topolino): sappiamo che l’attuale governo iraniano ha cercato il riavvicinamento con l’occidente, in forte contraddizione con molti dei dettami della religione di stato, l’Islam, che impongono uno stile di vita decisamente diverso da quello occidentale, soprattutto alle donne.
Consiglio questo film a tutti coloro che desiderano comprendere meglio la rivoluzione islamica iraniana e le condizioni di vita in quel paese, ma anche a tutti coloro che vogliono godersi una interessante lezione di cinema.
Due cugini americani di famiglia ebrea polacca si riuniscono per un tour organizzato della Polonia che si conclude con una visita alla casa della loro nonna mancata di recente.
Forse sono io che non ho capito questo film, ma non ho provato e nemmeno colto questo “vero dolore” di cui parla il titolo. Sarebbe fin troppo facile dire che il vero dolore è quello provato dallo spettatore, ma non è vero nemmeno questo, perchè invece il film non è affatto male di per sè. L’idea di partenza, due cugini dai caratteri molti diversi ma molto legati fin dall’infanzia in viaggio alla scoperta del paese d’origine della loro famiglia, non è molto originale, ma nel film funziona grazie alla costruzione di questi due personaggi e alle ottime interpretazioni dei due protagonisti. Non per niente Kieran Culkin ha vinto l’Oscar come miglior attore non protagonista per il ruolo di Benji, il cugino problematico, eccentrico ed emotivamente instabile. Jesse Eisenberg, qui anche in veste di regista, offre con il suo posato, timido, timoroso ed educato David un perfetto contraltare allo strabordante Benji. Peccato però che l’attesa reazione chimica dell’incontro/scontro tra questi due caratteri opposti non avvenga. La narrazione procede piatta, le emozioni sono sempre ovattate, mitigate, accennate, senza drammi né scontri né evoluzioni. La visita ai monumenti ai caduti in guerra di Varsavia, al campo di concentramento, alla casa della nonna: nessuna perdita, nessuna tragedia, storica o personale, smuove gli animi dei personaggi nè degli spettatori, e al termine della visione si ha la sensazione che qualcosa sia rimasto sospeso, incompiuto, non detto. O che semplicemente non abbia funzionato. La locandina prometteva risate e lacrime, entrambe non pervenute. Non aiuta la regia di Jesse Eisenberg, che costruisce inquadrature e scene solo apparentemente significative e utilizza malamente la voce fuori campo e i dialoghi, troppo freddi e didascalici anche nelle scene potenzialmente più intense. Forse il “vero dolore” è proprio l’incapacità dell’uomo contemporaneo di provare dolore, l’apatia e abulia generalizzata della cultura occidentale? Il “vero dolore” si trova proprio dove sembra non esserci alcun dolore? Questa è una teoria di cui non sono affatto sicura e che non mi soddisfa, così come non mi ha soddisfatto il film. Non posso stroncare A Real Pain, ma non lo posso nemmeno consigliare. Posso dire che si tratta, secondo me, di un’occasione mancata, in cui però il risultato è esattamente uguale alla somma delle parti e nulla più.
Interpreti: Kurt Russell, Kelly Preston, Michael Angarano, Mary Elizabeth Winstead, Danielle Panabaker, Bruce Campbell, Lynda Carter, Cloris Leachman
Dove trovarlo: Disney Plus
Il giovane Will Stronghold è molto nervoso per il suo primo giorno alle scuole superiori: infatti Will non frequenterà una scuola qualunque, ma la prestigiosa Sky High, la scuola per ragazzi e ragazze dotati di superpoteri. Will è figlio di ben due supereroi: Commander (Kurt Russell) e Jetstream (Kelly Preston), i migliori di tutti! Peccato che Will… non abbia nessun superpotere! Infatti alla Sky High viene inserito non nel corso per eroi, ma nel corso per spalle di eroi… E oltre a questo deve giostrarsi tra nuovi amici, nuovi nemici, nuovi amori e… il ballo della scuola!
Stavo cercando un film che fosse divertente per i bambini ma possibilmente anche per i genitori… e sono stata piacevolmente sorpresa da Sky High, disponibile su Disney Plus. Il film infatti, pur reggendosi sui classici clichè dei film per famiglie, ha dei personaggi molto simpatici, delle scene e delle battute molto divertenti e un cast di tutto rispetto. Il nome di richiamo è certamente Kurt Russell, perfetto nel ruolo del supereroe tutto d’un pezzo Commander, che non arriva nemmeno a concepire che il figlio possa non avere superpoteri o non voler essere esattamente come lui. Ma ci sono moltissimi volti che si rivedono con immenso piacere: Bruce Campbell nel ruolo del coach Boomer, che non si fa alcun problema a lanciare automobili sui suoi studenti per testarne i poteri; Cloris Leachman (meglio nota come Frau Blucher), la perfetta infermiera della scuola dotata di vista a raggi X; e naturalmente Lynda Carter, celebre per aver interpretato Wonder Woman nella celebre serie tv degli anni ‘60 e che qui ha il ruolo della severa preside Powers. L’ambientazione scolastica non è una novità, ma Sky High riesce a rivisitare le classiche dinamiche popolari/impopolari con freschezza, sfruttando al meglio le dinamiche tra gli studenti e la simpatia degli attori e dei personaggi che interpretano. Certo gli effetti speciali sono un po’ datati e la storia del tutto prevedibile, ma il film resta godibile, anzi molto divertente e simpatico, adatto anche ai più piccoli perchè la violenza è all’acqua di rose, ma senza mai cadere nel buonismo stucchevole di alcuni prodotti contemporanei. Consigliato a tutte le famiglie con bambini, ma anche a tutti coloro che cercano una visione leggera e simpatica in compagnia di volti amici.
Titolo originale: Keyke mahboobe man (titolo inglese: My Favourite Cake)
Anno: 2024
Regia: Maryam Moghadam, Behtash Sanaeeha
Interpreti: Lili Farhadpour, Esmaeil Mehrabi
Mahin (Maryam Moghadam) è vedova da decenni e vive sola a Teheran dopo che i figli sono andati a vivere all’estero, trascorrendo le giornate in casa e in solitudine, per lo più prendendosi cura del suo giardino. Ma le sue amiche insistono perchè esca di casa e incontri un uomo per alleviare la sua solitudine, così Mahin, ormai settantenne, decide di provare a rimettersi in gioco.
È davvero molto difficile parlare di questo film iraniano e dei suoi significati senza svelarne il finale, ma preferisco essere criptica e concisa piuttosto che rischiare di rovinare la visione, perchè Il Mio Giardino Persiano è un film molto bello, che non annoia nemmeno per un secondo nonostante la trama sia davvero scarna e che porta il lettore a provare, empatizzando con i personaggi, una serie di stati d’animo molto diversi tra loro in rapida sequenza. Il merito della buona riuscita del film è da attribuire ai due bravissimi interpreti principali, Lili Farhadpour e Esmaeil Mehrabi, ai registi e sceneggiatori Behtash Sanaeeha e Maryam Moghadam (nella vita marito e moglie) e al direttore della fotografia Mohamad Hadadi, che riesce a rendere cangiante, vivo e parlante l’ambiente quasi unico in cui il film si svolge, cioè la casa di Mahin con il suo giardino. Quelle stesse stanze, quegli stessi oggetti di arredo e quegli stessi angoli nel giro di appena un’ora e mezza assumono significati e incarnano emozioni diversissime tra loro, portando lo spettatore su una montagna russa di emozioni e aspettative. Come ripeto non è mia intenzione rivelare nulla più dello stretto necessario, ma il film mi è piaciuto molto e ne consiglio la visione, avendo spiegato come esso contenga una vasta gamma di emozioni e stati d’animo.
Quello che posso sicuramente rivelare senza timore è l’ambientazione del film, cioè quella stessa capitale dell’Iran in cui si svolgono anche le vicende di Leggere Lolita a Teheran: una luogo in cui tutti i cittadini, ma soprattutto le donne, vivono nell’angoscia e nella paura, perchè molti dei comportamenti che in Italia sono normali e condivisi vengono invece considerati immorali, deprecabili, e possono portare anche alla prigione e talvolta alla morte. In questo contesto di oppressione sociale e personale, i registi riflettono sulla possibilità di trovare comunque la felicità e l’amore, ad ogni età, per quanto difficile possa sembrare. In alcuni casi, però, riflettere non significa fornire risposte.
Thibaux (Benjamin Lavernhe) è un affermato direttore d’orchestra che ha dedicato tutta la sua vita alla musica. Quando scopre di essere malato di leucemia e di aver bisogno di un trapianto di midollo per sopravvivere, si rivolge subito alla sorella nella speranza che sia compatibile. Scopre così che la sorella in realtà non è sua sorella, perchè è stato adottato. Rintraccia però il fratello che non sapeva di avere, anche lui andato in adozione, ma non a una famiglia benestante come la sua. Il fratello Jimmy (Pierre Lottin) infatti ha anche lui la musica nel sangue, ma ha vissuto una vita molto meno agiata (lavora come operaio in una fabbrica) e non ha avuto le stesse possibilità di Thibaux. Jimmy non ci pensa due volte e aiuta il fratello ritrovato offrendogli il suo midollo osseo per salvargli la vita; in cambio, Thibaux decide di aiutarlo con la sua piccola band di paese e la sua carriera da musicista.
Dal trailer L’Orchestra Stonata sembrava essere un film in parte comico e in parte drammatico, mentre invece non è nessuno dei due. Il trailer contiene tutte le battute e le scene del film che possono essere considerate divertenti, mentre il dramma, nonostante sulla carta sia presente, non si esplicita mai a causa del buonismo di fondo di tutti i personaggi e dei loro rapporti. Certo ci sono qui e lì delle scaramucce, ma sono tutte presto risolte per ritornare alla generale serenità e armonia che unisce tutti: familiari di sangue o acquisiti, musicisti e operai, ricchi e poveri. L’Orchestra Stonata dovrebbe mettere in scena un dramma su più livelli: personale, familiare e di classe, mostrando l’abisso che separa il ricco e sviluppato sud della Francia dall’arretrato e disagiato sud del Paese; questo abisso è mostrato ma non viene percepito come tale dallo spettatore, perchè si resta sempre in superficie e non si scava mai a fondo, né nel disagio sociale né nei sentimenti dei singoli. Il risultato è quindi un film prevedibile e noioso, interessante forse giusto per gli appassionati di musica che potrebbero apprezzare le scene in cui il direttore d’orchestra spiega come lavora o le esibizioni dei musicisti ai diversi livelli, dall’eccellenza dell’orchestra di Parigi alla goffaggine della fanfara del piccolo paese del Nord. Per me, che non sono appassionata di musica se non nella forma del musical, la visione è stata insapore e molto noiosa.
Interpreti: Frankie Muniz, Bryan Cranston, Jane Kaczmarek, Justin Berfield, Erik Per Sullivan, Christopher Masterson
Dove trovarlo: Disney Plus
Tempo fa mi ero lamentata qui sul blog di come la serie tv Malcolm non fosse disponibile su nessuna piattaforma. Ora invece sono molto felice perchè la serie è disponibile su Disney Plus e me la sono potuta gustare tutta in lingua originale, dal primo all’ultimo episodio.
Si tratta di una sitcom, con puntate della durata di venti minuti circa, che racconta le vicissitudini di una famiglia americana moderna con pochi soldi e tanti figli dal punto di vista del figlio di mezzo (il titolo originale infatti è Malcolm in the Middle). Anche se, per essere precisi, Malcolm è il terzo figlio su quattro, all’inizio della serie, ma essendo il primogenito sventato e combinaguai Francis (Christopher Masterson) lontano da casa, malcolm è il fratello di mezzo tra il maggiore Reese (Justin Berfield), un bulletto di scarsa intelligenza, e il minore Dewey (Erik Per Sullivan), eccentrico e rassegnato ad essere poco considerato dal resto della famiglia. Malcolm, protagonista e narratore, è interpretato da Frankie Muniz, il cui faccione è molto spesso in primo o primissimo piano mentre racconta le sue tribolazioni di teenager guardando dritto in camera e rivolgendosi allo spettatore, un espediente narrativo cui oggi siamo abituati ma che all’epoca è stato una trovata molto originale. Quando ho iniziato a vedere la serie non mi aspettavo che si componesse addirittura di sette stagioni, tutte con venti o più episodi, e devo dire che non tutti sono divertenti e memorabili allo stesso modo. Vale comunque la pena resistere fino alla fine per non perdersi alcune situazioni e battute assurde ed esilaranti. La vera forza di Malcolm consiste nel talento dei due attori che interpretano i genitori: Jane Kaczmarek nei panni di Lois, la madre inflessibile e psicotica, e Bryan Cranston nei panni di Hal, padre giocherellone e smidollato. Tra i due c’è una grande alchimia ed essendo personaggi diametralmente opposti facilmente si creano situazioni paradossali e divertenti. Io trovo che in questa serie Bryan Cranston offra un’interpretazione meravigliosa e un talento comico ragguardevole, anche se poi è diventato famoso per un prodotto molto più serioso come Breaking Bad. Oltre ai protagonisti della serie,tre cui ciascuno può scegliere il suo preferito, la serie offre un lungo elenco di celebrità o future celebrità in ruoli minori o camei. Un ruolo ricorrente hanno due veterani del regista Mel Brooks come Cloris Leachman (meglio nota come Frau Blücher) che interpreta la madre di Loir e Kenneth Mars (che sempre in Frankenstein Junior ha il ruolo dell’Ispettore Kemp), mentre tra i nomi illustri che compaiono nella serie abbiamo: Emma Stone, Susan Sarandon, Hayden Panettiere, George Takei, Christopher Lloyd, Rose Abdoo, Oscar Nunez e Kurt Fuller, per citarne alcuni.
In conclusione, Malcolm è una sitcom vivace, che alterna episodi un po’ mosci a puntate esilaranti e regala in ogni caso ottime interpretazioni e un po’ di spensieratezza, che non fa mai male di questi tempi.
Interpreti: Luisa Ranieri, Jasmine Trinca, Geppi Cucciari, Mara Venier, Stefano Accorsi, Paola Minaccioni, Aurora Giovinazzo, Milena Vukotic, Elena Sofia Ricci, Kasia Smutniak
La scena d’apertura del film mostra lo stesso regista, Ferzan Ozpetek, che ha riunito per un pranzo conviviale un gran numero di attrici italiane di ogni età per parlare del film che ha intenzione di girare insieme a tutte loro. Entriamo poi nel vivo del film stesso, ambientato in un prestigioso atelier romano negli anni ‘70 fondato e gestito da due sorelle, Alberta (Luisa Ranieri) e Gabriella (Jasmine Trinca) dal carattere molto diverso ma molto legate e affezionate al lavoro. Nell’atelier lavorano moltissime donne e ragazze, ciascuna con il suo ruolo e ciascuna con i propri problemi personali, che però devono essere messi da parte per realizzare i costumi dei film, che sono la specialità della casa di moda. Moltissime saranno le sfide collettive e per i singoli personaggi femminili, ma tutte verranno affrontate con grande determinazione, coraggio e soprattutto collaborazione, tra premi Oscar capricciosi, mariti violenti e registi prepotenti.
In questo periodo in cui di “donne” si sente parlare sempre, comunque e ovunque, dai tg al cinema, dei loro diritti, delle loro lotte, dei soprusi e della violenza fisica a non solo che hanno subìto nei secoli, il regista Ferzan Ozpetek non si tira indietro ma decide di lasciare da parte i toni polemici e denunciatori facendo a tutte le donne un meraviglioso regalo: Diamanti. Il film è una poesia d’amore per la donna, di ogni età, con ogni passato alle spalle, con ogni fragilità e debolezza, con abilità, talento e capacità. Ozpetek riunisce uno straordinario cast femminile tutto italiano e riesce a sfruttare appieno l’immenso potenziale di ciascuna attrice, esaltandone le caratteristiche e assegnando con sapienza i ruoli da interpretare, di modo che anche le stelle della tv (una sorprendente e bravissima Mara Venier o una esilarante Geppi Cucciari) o della radio (Paola Minaccioni, celebre per i personaggi e le imitazioni del Ruggito del Coniglio ma qui in un ruolo drammatico) possano rifulgere accanto alle attrici di cinema, siano queste giovani (Kasia Smutniak), giovanissime (Aurora Giovinazzo), esperte (Jasmine Trinca, Luisa Ranieri) o veterane (Milena Vukotic). “Da sole siamo niente, ma insieme siamo tutto” è una delle molte frasi da incorniciare in questo film corale che diverte molto e commuove molto nel raccontare le vite, mai perfette, di queste donne lavoratrici talentuose e coraggiose, che pur essendo molto diverse tra loro affrontano unite le piccole e grandi difficoltà di ogni giorno, senza bisogno di grandi discorsi o di retorica: semplicemente loro sono lì l’una per l’altra e tutte per la squadra, cioè l’atelier di moda. L’ambientazione scelta permette di mostrare alcuni dietro le quinte della realizzazione dei film nel nostro paese, oltre che una serie di costumi mozzafiato, il cui processo di realizzazione viene mostrato in tutte le sue sfaccettature. Il dettaglio che ho apprezzato molto è stata l’idea del regista di origine turca di inserire nella narrazione dei personaggi maschili secondari avvenenti che le donne dell’atelier trattano come oggetti dando loro ordini e comandi, senza cattiveria ma con grande schiettezza: se per decenni abbiamo visto al cinema uomini sbavare dietro a segretarie in minigonna e vicine di casa procaci, perchè un gruppo di donne lavoratrici non può godersi la presenza di un bel ragazzo, garzone del pasticcere o attore di belle speranze, e magari chiedergli di cantare e ballare per una pausa rilassante e rinvigorente dal duro lavoro della sartoria?
Il film è un sincero omaggio di Ozpetek a tutte quelle donne, attrici ma non solo, senza le quali i suoi film non sarebbero mai stati realizzati; e sarebbe stata una perdita per tutti noi.
Consiglio questo film a chi ama le donne, ne apprezza lo spirito e il talento e ama divertirsi insieme a loro. Preparatevi e ridere ma anche a piangere un pochino. Splendida anche la canzone Diamanti cantata da Giorgia che accompagna i titoli di coda: giuro che è stata la prima in vita mia volta in cui al riaccendersi delle luci nessuno in sala si è mosso fino alla fine dello scorrere dei nome degli interpreti!
Cinemuffin 