Notte Horror – Future Animals

Quest’anno ho l’onore di inaugurare assieme al mitico Cassidy l’ottava edizione del ciclo Notte Horror: fino all’inizio del mese di Settembre ogni Martedì troverete su tanti fantastici blog le recensioni di film spaventosi (o, come nel mio caso, brutti da far spavento) per rendere più eccitante la vostra estate: tenete d’occhio il calendario e non perdetevene neanche uno!

Per prima cosa, se ancora non l’avete fatto, correte su La Bara Volante a leggere la recensione di Cassidy del film Society. E va bene, potete aspettare la fine della partita..

Quando avete letto (prendetevi tutto il tempo che serve per il post, ne vale sempre la pena!) tornate qui su Cinemuffin: stasera parliamo dei nostri amici animali!

Il filone cinematografico che racconta di animali che, per qualsivoglia motivo, si ribellano all’essere umano, è insospettabilmente ricco e, qualitativamente parlando, assai eterogeneo: si va da un capolavoro come Gli Uccelli di Alfred Hitchcock (1963) allo scalcinato Birdemic (2010); dal primo blockbuster estivo della storia, Lo Squalo di Steven Spielberg (1975), allo scult Mega Shark Versus Giant Octopus (2009). Nel corso dei decenni chi come me coltiva questo guilty pleasure ha avuto la gioia di assistere ad attacchi di innumerevoli specie animali, talvolta anche mutate e/o ibridate in vari modi: uccelli, pipistrelli, topi, squali (i miei prediletti), api, coccodrilli, formiche, ragni, serpenti, tafani, pecore… Ma in genere, ciascun film si occupa di una determinata specie del regno animale, che per qualche motivo (radiazioni cosmiche, esperimenti scientifici, esposizione a sostanze chimiche) smette di vedere l’essere umano come vertice della catena di comando (e alimentare). Cosa succederebbe, invece, se TUTTI gli animali si ribellassero all’uomo?

L’incipit di Future Animals, in originale Day of the Animals (chissà come mai la traduzione italiana è un altro titolo in inglese) ma conosciuto anche come Something Is Out There (“C’è Qualcosa Là Fuori”) ci spiega come tre anni prima (siamo nel 1977) due scienziati, l’americano Frank Sherwood Rowland e il messicano Mario Molina, avessero ipotizzato che i gas clorofluorocarburi utilizzati nei frigoriferi e come propellente nelle bombolette spray (ad esempio la lacca per capelli) potessero danneggiare la fascia d’ozono; senza la protezione fornita dall’ozono, quantità pericolose di raggi ultravioletti possono raggiungere la Terra. Il film ci racconta che cosa POTREBBE accadere nel prossimo futuro se l’uomo non facesse nulla per proteggere la fascia d’ozono. Sebbene i loro studi abbiano poi portato Rowland e Molina a vincere il premio Nobel per la Chimica nel 1995, da un po’ di tempo io non sento più parlare del buco nell’ozono, mentre quando ero piccola mi avevano convinta che ogni donna che usasse la lacca spray per capelli fosse un cattivo essere umano; quello che è certo è che, almeno fino ad oggi, non si sono verificati gli eventi predetti in questo film, e purtroppo per il regista William Girdler, nonostante i suoi buoni propositi, nessuno gli ha mai assegnato un premio qualsivoglia per Future Animals. Andiamo a vedere perché.

Qual era il maggior punto di forza del film di Hitchcock Gli Uccelli? Secondo me, il fatto che non venisse mai spiegato il motivo per cui volatili di specie diverse (in particolare corvi e gabbiani) decidessero all’improvviso di attaccare gli esseri umani. Girdler però nell’impostare il suo film non guarda ad Hitchcock, perché ha un messaggio importante da trasmettere al suo pubblico (“non contribuite ad allargare il buco nell’ozono”), quindi fin dalla sigla ci mostra didascalicamente e ripetutamente che c’è una connessione tra il sole, o meglio i suoi raggi ultravioletti, e l’inedita aggressività degli animali.

I titoli di testa di Future Animals sono un montaggio alternato di inquadrature di animali e del sole (molto fastidiose, queste ultime, alla lunga) che la musica di Lalo Schifrin dovrebbe, in teoria, rendere sinistre. Il compositore, già autore di tante colonne sonore per il cinema e per la tv (suo, ad esempio, il celebre motivetto di Mission:Impossible), qui non dà sicuramente il suo meglio, ma poiché non è certo l’unico non sarebbe giusto fargliene una colpa: rendere dignitoso questo film sarebbe stata, anche per lui, una vera missione impossibile.

Al termine dei titoli, senza tanti preamboli, ci viene presentato il protagonista, Steve Buckner, interpretato da Christopher George, che dopo un esordio promettente in cui affiancava John Wayne nel western El Dorado si era dato ai telefilm e al genere horror. Il nostro Steve si guadagna da vivere accompagnando in gita gruppi di volenterosi che desiderano allontanarsi per qualche giorno dalla vita frenetica della città e rinfrancarsi nel contatto con la natura. Il punto di partenza per queste gite è un paesino in cui vediamo su tutte le insegne il nome “Murphy”. Avete presente Mezzogiorno e Mezzo di Fuoco di Mel Brooks, in cui tutti gli abitanti di Rock Ridge si chiamano Johnson e alle assemblee cittadine si sentono frasi come: “Howard Johnson ha ragione a dire che Randy Johnson ha ragione”? Ecco, qui i tutori della legge, anziché lavorare in ufficio, passano tutto il tempo al pub, che naturalmente si chiama “Da Murphy”: la legge di Murphy insomma. Mentre il gruppetto del giorno si prepara per la partenza, sotto gli occhi attenti di tutto il paese (probabilmente, per quel minuscolo paesino sperduto tra le montagne dell’Alta Sierra californiana, le comitive sgangherate di Steve erano l’evento dell’anno), lo sceriffo (interpretato da Michael Andreas) commenta: “Non ho mai visto un gruppo come quello”, per sottolineare che quell’insieme eterogeneo di persone è davvero scalcinato. Il gruppo in partenza è composto da undici persone (se siete un minimo in confidenza con questo genere di film, sapete già benissimo che non tutti e undici torneranno indietro). Tra queste, solamente Daniel Santee (Michael Ansara), il nativo americano, sembra essere già conosciuto da Steve: durante il film li vedremo sempre solidali e complici ma non ci viene spiegato altro sul loro rapporto. Girdler è così: didascalico fino a diventare buffo oppure ellittico in modo irritante, senza compromessi.

C’è poi la bella giornalista televisiva Terry (Lynda Day George), che inizialmente rifiuta la corte sfacciata di Steve ma poi, dopo aver visto alcuni compagni morire tra grandi sofferenze, ci ripensa: questo, oltre ad essere un cliché narratologico, potrebbe avere a che fare col fatto che Lynda e Christopher George, nella vita, erano marito e moglie; insieme i due hanno recitato in diverse pellicole horror. Troviamo poi due coppie, una più giovane e in pieno incanto dell’innamoramento composta da Beth (Kathleen Bracken) e Jimmy (Andrew Stevens), che sia IMDB che Wikipedia chiamano erroneamente “Bob”, e una in piena crisi formata dal gentile Frank (John Cedar) e dalla moglie Mandy (Susan Backlinie) che non si fa alcun problema a lavare in pubblico tutti i loro panni sporchi. Nella combriccola c’è anche un ragazzino, John (Bobby Porter, destinato a un grande futuro da stuntman), accompagnato dalla lamentosa madre Shirley (Ruth Roman) che continua a ripetere come sarebbe dovuto essere il padre, e non lei, ad accompagnare John in quella scampagnata. Chiudono la formazione il professor Macgregor (Richard Jaeckel), appassionato di fotografia e di animali (destinato a vedere animali selvatici molto da vicino senza però avere il tempo di fotografarli) e Roy Moore (Paul Mantee), un ex giocatore di football malato di cancro che, nonostante sia costretto a servirsi di un bastone per camminare, vuole dimostrare di essere ancora fisicamente abile. Ho lasciato per ultimo l’attore più interessante (nonché il motivo principale per cui ho deciso di vedere questo film): Leslie Nielsen, qui lontanissimo dai ruoli comici che lo hanno reso famoso qualche anno più tardi in film come Una Pallottola Spuntata e L’Aereo più Pazzo del Mondo. In Future Animals infatti Nielsen interpreta Paul Jenson, il personaggio più sgradevole del gruppo, che non fa alcun tentativo di essere simpatico ma anzi insulta tutti quanti spesso e volentieri, dando dell’incapace alla guida, facendo apprezzamenti poco eleganti sulle sue compagne escursioniste e mancando in continuazione di rispetto a Santee e alle sue origini. Se per caso in questo gruppo avete riconosciuto qualche volto familiare, probabilmente siete (come me) grandi fan della Signora in Giallo: infatti ben otto di questi attori sono comparsi almeno in un episodio di Murder She Wrote. Leslie Nielsen è comparso in due episodi, mentre Ruth Roman interpretava la mitica Loretta, la parrucchiera pettegola di Cabot Cove! Ma non illudetevi: le avventure di Jessica Fletcher qualitativamente sono ben al di sopra di Future Animals!

Ora che vi ho presentato i personaggi vi invito a capire chi di loro sarà la prima vittima degli animali ribelli. Dopo aver formulato la vostra ipotesi potete, a vostra discrezione, proseguire con la lettura di questo post (che d’ora in avanti conterrà alcuni SPOILER) oppure guardare il film (disponibile su Amazon Prime Video) per verificare la vostra previsione. Scritto il nome del morituro consegnate il foglio al notaio e proseguiamo nel racconto.

Nel momento in cui i nostri salgono sugli elicotteri già ci accorgiamo di qualcosa che non quadra (oltre al fatto che prima del decollo appoggiano semplicemente i loro bagagli sui pattini dell’elicottero): gli escursionisti partono con zaini e sacchi a pelo ma senza cibo. Il programma infatti prevede che i ranger lascino del cibo per loro in una capanna in mezzo al bosco. Non so voi, ma io, con queste premesse, non partirei mai a poi mai, non senza almeno qualche dozzina di muffin per sicurezza. Inoltre lo sceriffo ha avvertito Steve di stare in guardia perché si sono già verificati alcuni strani incidenti. Ma Steve non ha paura di niente e si incammina con uomini, ragazze, donne, bambini e malati al seguito, stabilendo la sua expertise mostrando ai cittadini qualcosa di sorprendente: dentro le pigne ci sono i pinoli! Ben presto gli animali iniziano a seguire il gruppetto, coordinati da un’aquila che, a quanto sembra, è il capo di tutte le bestie selvatiche. I rapaci iniziano a radunarsi intorno al gruppo; quando un grifone si avvicina troppo al piccolo John (colpevole di aver recidivamente lanciato sassi), tutti iniziano ad avere paura.

Nel frattempo, da Murphy, la televisione sta trasmettendo un comunicato: tutti gli animali che vivono sopra i 1500 metri si stanno comportando in modo strano. Allarmato da quella notizia, lo sceriffo si fa portare una fetta di torta di mele con il gelato. Intanto i nostri eroi si sono imbattuti in un accampamento completamente vuoto e con l’aria di essere stato abbandonato in fretta (le tende sono aperte e il fuoco è acceso); Steve decide che la cosa migliore da fare è accamparsi proprio lì, perché agli altri campeggiatori, quando torneranno, farà senza dubbio piacere la loro compagnia. Ma naturalmente non si vede anima viva, nemmeno al calar della notte. I nostri sono perennemente tenuti sotto controllo dai gufi (che a differenza di quanto ci insegna David Lynch sono proprio quello che sembrano: gufi) e a notte fonda i lupi attaccano il gruppo, accanendosi su Mandy. Nonostante siano disarmati, gli uomini riescono a respingere i lupi: Mandy è ferita ma soprattutto in stato di shock. Al mattino Steve elabora il piano più idiota possibile per gestire la situazione: Mandy, ferita e sotto shock, raggiungerà con il marito Frank la stazione dei ranger e chiederà di inviare un elicottero per recuperare il resto del gruppo, visto che la scampagnata è ormai irrimediabilmente compromessa. Ma come? La ragazza ferita mandata a chiedere soccorso per quelli che invece stanno benone, senza nemmeno una mappa? Dividere il gruppo, senza nemmeno accordarsi sul punto in cui gli elicotteri dovrebbero eventualmente andarli a prendere? Nessuno però ha obiezioni a questo folle piano, e il gruppo si divide. Prima che Shirley metta fuori uso la radio, Steve riesce a capire che gli animali stanno attaccando l’essere umano un po’ ovunque e che la situazione è davvero seria. Lo capiscono anche Frank e Mandy, che è rimasta senza forze ma continua a insultare il marito. Madre natura non tollera certe intemperanze: gli uccelli attaccano Mandy (non Frank) e la spingono giù da un dirupo. Gli animali saranno anche resi feroci dai raggi ultravioletti, ma quando è il momento di uccidere sanno distinguere benissimo i buoni dai cattivi, e una donna che insulta il marito in pubblico e rifiuta di dormire con lui è senza dubbio cattiva.

Questa prima morte (chi l’ha indovinata?) non dovrebbe sorprendere: Susan Backlinie, l’attrice che interpreta Mandy, era stata la primissima vittima anche nel film Lo Squalo appena due anni prima. A Frank non resta che procedere da solo verso valle per cercare aiuto, mentre il resto del gruppo ha raggiunto quello che doveva essere il punto di rifornimento solo per scoprire che gli animali hanno razziato tutto il cibo. Frank intanto ha trovato nel bosco una bambina, sola e sotto shock, e ha deciso di portarla con sé per proteggerla. 

La bambina è interpretata da Michelle Stacy, che in quello stesso anno farà pace con gli animali dando la voce a Penny nel cartone Disney Le Avventure di Bianca e Bernie. Arriva di nuovo la notte e lo sceriffo viene svegliato da una telefonata del suo vice: è arrivato l’esercito, bisogna evacuare immediatamente il paese. Per tutta risposta lo sceriffo va in cucina e tira fuori il tacchino dal frigorifero: non si può evacuare a stomaco vuoto, lo sanno tutti. Ma qualcun altro mostra grande interesse per gli avanzi: i topi, con dei balzi fenomenali, attaccano lo sceriffo ferendolo al volto. A questo punto il tutore della legge capisce che forse è il caso di fare qualcosa e sveglia la moglie. In paese rimangono solamente lo sceriffo e i suoi uomini per aiutare l’esercito e rintracciare, l’indomani, tutti gli escursionisti. Mentre i militari evacuano il paese, Steve e gli altri subiscono un nuovo attacco, stavolta dai puma. 

Per quanto riguarda le riprese con gli animali, il regista si è limitato a riprenderli mentre si facevano gli affari loro per poi renderli protagonisti di arbitrarie soggettive come se stessero spiando gli esseri umani e complottando; meglio non parlare delle scene con incontri più ravvicinati in cui vengono usati pupazzi e peluche vari; Girdler però doveva essere almeno in parte consapevole dei suo limiti, perché da un certo punto in poi, per sottolineare la drammaticità della situazione, ha chiesto al suo direttore della fotografia Robert Sorrentino di rappresentare tutto sempre avvolto dalla nebbia, per cui in un attimo si passa dall’Alta Sierra alla Val Padana.

Il mattino dopo alcuni escursionisti presentano escoriazioni sul viso: i raggi ultravioletti del sole, non più filtrati dalla fascia d’ozono, non solo rendono aggressivi gli animali ma ustionano la pelle. Esasperati, sfiniti, senza armi nè cibo, gli escursionisti iniziano a dubitare della competenza di Steve; Paul (Leslie Nielsen) si propone come nuovo leader e il gruppo si divide in due. Santee commenta con un antico proverbio indiano: “Ciascuno si cuoce nell’acqua sua” (in inglese “You can’t save a fool from himself”, “Non si può salvare un pazzo da se stesso”, che suona leggermente meno scemo). Paul, che fin dall’inizio era stato arrogante, prepotente e irrispettoso, col passare del tempo diventa sempre più dispotico e violento, fino alle conseguenze più estreme: i raggi ultravioletti infatti hanno effetto su tutti gli animali, compreso l’uomo. Il regista non ha remore nel calcare la mano per far arrivare allo spettatore il suo messaggio: se non agiamo subito, il buco nell’ozono avrà conseguenze nefaste per tutti noi! Peccato che basti l’acconciatura sempre perfetta di Linda Day George, ottenuta senza dubbio grazie a massicce dosi di lacca, a sbugiardarlo.

Non vi racconterò il finale nei dettagli, nel caso (improbabile) aveste ancora voglia di vedere Future Animals. Vi descrivo solo, in ordine sparso, alcuni avvenimenti comicamente rilevanti: da un inquadratura del dettaglio si scopre che Terry (la giornalista televisiva) aveva portato i tacchi per tutto il tempo; qualcuno affronterà un orso bruno in corpo a corpo; un cameraman comparirà in uno specchietto retrovisore; qualcuno griderà “Muoio!” mentre muore; il professore fornirà un’eloquente spiegazione scientifica della condizione umana e dell’ineluttabilità della morte iniziando con: “Una volta c’erano solo i pesci”. Se questi eventi vi incuriosiscono, allora buona visione!

Inspiegabilmente, dopo questo film (cui Paolo Mereghetti assegna appena una stella nel suo eminente dizionario del cinema), l’anno successivo il regista William Girdler ha ottenuto i fondi per realizzare un nuovo film, e poiché squadra che vince (?) non si cambia, ha richiamato gran parte del cast di Future Animals, con l’aggiunta eccellente di Tony Curtis, per girare Manitù – Lo Spirito del Male, in cui una signora si accorge di avere un’escrescenza che le cresce sul collo ma che è in realtà uno sciamano indiano morto secoli prima che cerca di tornare nel mondo dei vivi… ma di questo parleremo alla Notte Horror del prossimo anno! Per quest’anno, invece, il prossimo appuntamento è Martedì 13 Luglio alle ore 21.00 sul Bollalmanacco del Cinema con il film La Casa 4: Witchcraft. Non mancate o gli animali vi mangeranno per primi!

Voto: 1 Muffin (forse sarebbe potuto arrivare a due se si fosse preso un po’ meno sul serio)

Men in Black: International

Anno: 2019

Regia: F. Gary Gray

Interpreti: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Liam Neeson, Emma Thompson, Rebecca Ferguson

Dove trovarlo: Netflix

Come tutti, nel 1997 mi sono innamorata del film Men in Black di Barry Sonnenfeld che miscelava perfettamente azione e umorismo dando vita a un mondo molto ben pensato in cui gli alieni non solo esistono, ma vivono in mezzo a noi sulla Terra sotto mentite spoglie; esistono però anche altri alieni meno amichevoli, con i quali, quando la diplomazia fallisce, è necessario imbracciare le armi. Tutti questi complicati rapporti intergalattici vengono gestiti sulla Terra da un’organizzazione segretissima, i Men in Black, che gestiscono le varie specie aliene e proteggono i terrestri. E li proteggono, naturalmente, tenendoli all’oscuro di tutto. Questo bellissimo film non solo ha avuto un grande successo, ma è proprio entrato nell’immaginario collettivo: oggi tutti sanno cosa significa “sparaflashare”, sanno riconoscere gli uomini vestiti di nero con occhiali da sole e sanno che le vere notizie si trovano nei giornaletti scandalistici. Inoltre, a tutti noi è capitato di pensare che se l’insegnante di matematica delle media fosse stato un alieno si sarebbero spiegate moltissime cose, e che se il nostro vicino di casa Luciano si comporta in modo strano probabilmente è perché un alieno ha preso il suo posto e indossato un Luciano-abito. Naturalmente un film che ottiene un tale successo non può che generare dei seguiti. Nel 2002 lo stesso Sonnenfeld dirige di nuovo la grandiosa coppia Will Smith e Tommy Lee Jones in Men in Black 2, che però non ha neanche lontanamente l’acume e lo spirito dell’originale. Il terzo capitolo, diretto ancora da Sonnenfeld nel 2012, devo averlo visto ma non ne conservo alcun ricordo, segno che forse non era così fantastico. Ma questo non impedisce alla Sony di mettere in cantiere uno spin-off, ed ecco come nasce questo quarto capitolo della saga degli uomini in nero, Men In Black: International, che chiarisce come i Men in Black non siano un’organizzazione prettamente statunitense ma abbiano invece sedi e agenti in tutto il mondo.

La nostra storia inizia a New York, dove la piccola Molly si ritrova un piccolo alieno variopinto in camera e lo aiuta a scappare; subito dopo assiste alla cancellazione della memoria dei suoi genitori da parte di due uomini vestiti di nero. Da quel momento l’obiettivo della vita di Molly (Tessa Thompson)  diventa scoprire la verità ed entrare a far parte di quella misteriosa organizzazione, di cui nessuno sa nulla, ma che lei sa esiste davvero. Grazie alla sua determinazione Molly riesce a individuare la sede dei Men in Black e a introdurvisi: colpita dalla sua perseveranza e dal suo entusiasmo, l’agente O (Emma Thompson) decide di darle una possibilità e la manda nella sede di Londra come agente in prova. Qui Molly, ora Agente M, incontra il capo, High T (Liam Neeson) e l’affascinante agente H (Chris Hemsworth), il più abile ma anche il più indisciplinato della sua sezione. Molly convince H a portarla con sé nella sua missione successiva, convinta di poter dimostrare di avere tutte le qualità per diventare un agente a tutti gli effetti. Il compito sembra molto semplice: far divertire Vungus, un giovane alieno di stirpe reale grande amico di H. Ma qualcosa va storto, due alieni sconosciuti e molto potenti li attaccano: mentre H combatte, Vungus, ferito a morte, affida a M un oggetto misterioso e la avverte che c’è una spia nei Men in Black. Ora Molly dovrà capire che sono gli assassini di Vungus e perché lo hanno ucciso, cosa sia l’oggetto misterioso e, soprattutto, di chi si può fidare all’interno dei Men in Black.

Il regista F. Gary Gray, che nasce come autore di videoclip, ha già mostrato di trovarsi a suo agio nei film d’azione spettacolari (The Fate of the Furious) ma anche in quelli più ironici (Be Cool), e infatti non si può certo dire che il film manchi di inseguimenti adrenalinici; il comparto effetti speciali fa un ottimo lavoro a tutti i livelli, dalle creature aliene (alcune non molto originali ma comunque ben fatte) agli effetti bullet time (più che altro si usa il rallentatore per godersi di più la camminata sciolta di Chris Hemsworth, ma non mi lamento).

Purtroppo però la trama e i personaggi non sono altrettanto curati. Per quanto riguarda la storia, onestamente ci sto pensando da un paio di giorni e ancora non ho compreso come mai gli Hive (alieni cattivi) non abbiano distrutto la Terra la prima volta e per quale motivo abbiano deciso di piazzare invece una loro spia. Se avevano bisogno di impadronirsi dell’arma, come mai gli altri alieni invece la volevano per difendersi da loro? Significa che gli Hive erano già adeguatamente armati…E perchè Vungus porta l’arma proprio sulla Terra se sa che c’è una spia, mettendo così l’intero pianeta in pericolo? Insomma, forse io sono lenta di comprendonio, ma in questa scaramuccia intergalattica qualcosa non torna (e si capisce da subito chi sia la spia, comunque). Ma tutto questo guazzabuglio spaziale si potrebbe perdonare, se solo i due protagonisti funzionassero, invece sono due personaggi pensati male che quindi interagiscono malamente tra di loro. H sembra, a detta di tutti, essere cambiato dopo la battaglia contro gli Hive di alcuni anni prima: ma cambiato come? Come era prima? E cambiato perché? Tutto questo, anche alla luce di ciò che si scopre su quello scontro, non ha senso. Molly invece ha dedicato la sua vita a studiare lo spazio e le forme di vita aliene, tanto da possedere strumentazione sofisticatissima per individuare gli extraterrestri in arrivo sul pianeta. Eppure, quando entra finalmente nei Men in Black, cosa fa? Mente ad H, fingendo di sapere cose che non sa, per poter andare in missione con lui. Perché? Non mi sembra che attaccarsi alla gamba dell’agente più fico sia un modo dignitoso di fare carriera e dimostrare il proprio valore… Forse si poteva inventare un diverso stratagemma per portarli a cooperare. Poi si capisce che tra i due nasce un sentimento, e anche questo appare forzato. Certo parliamo di due attori, Chris Hemsworth e Tessa Thompson, simpatici e attraenti, che come già si era visto in Thor: Ragnarok insieme funzionano piuttosto bene, ma questo non basta a reggere un intero film che traballa per sceneggiatura, dialoghi e personaggi secondari. Ne escono naturalmente a testa alta Liam Neeson e soprattutto la meravigliosa Emma Thompson, sagace e stilosa al punto giusto. Alla fine del film, però, quello che resta è un gran desiderio di rivedere il primo, inossidabile Men in Black e sparaflasharsi per dimenticare tutti i seguiti (peccato per Chris Hemsworth senza camicia però).

Voto: 3 Muffin (di cui uno è per Chris Hemsworth in pantaloni rosa)

Grease 2

Anno: 1982

Regia: Patricia Birch

Interpreti: Michelle Pfeiffer, Maxwell Caulfield, Didi Conn, Syd Caesar, Eve Arden, Dodi Goodman

Dove trovarlo: Netflix

Inizia un nuovo anno scolastico alla Rydell e come da tradizione gli studenti si uniscono in gruppi che devono tutti sottostare  a regole sociali ben precise. Per esempio le Pink Ladies, le ragazze che indossano giacchette rosa, possono uscire solamente con i T-Birds, i ragazzi che portano le giacche di pelle nera. Ma alla bella Stephanie (Michelle Pfeiffer) le regole stanno strette: lei sogna di incontrare un ragazzo audace e misterioso, un motociclista senza paura, diverso da tutti i ragazzi che conosce. Per Micheal (Maxwell Caulfield), nuovo studente appena arrivato dall’Inghilterra, sembra impossibile poter conquistare il cuore di Stephanie, lui che ama Shakespeare e detesta le motociclette. Ma l’amore lo spinge a trasformarsi completamente per poter conquistare il cuore della ribelle Stephanie.

Dopo il successo stratosferico di Grease nel 1978 la Paramount Pictures tenta di replicare la formula della mitica “Brillantina”, ma il risultato non è che una variazione sul tema senza originalità, meno divertente e con attori meno capaci. Ci sono comunque alcune scene simpatiche e qualche gradevole canzone (come Reproduction, in cui gli studenti danno una loro interpretazione canora dell’impollinazione dei fiori), ma la sensazione generale è quella di una copia poco incisiva che fa molto rimpiangere il film precedente. Ritroviamo alcuni personaggi di Grease: la preside e la vicepreside, interpretate rispettivamente da Eve Arden e Dodi Goodman; Frenchy, l’amica della protagonista Sandy (Olivia Newton-John), sempre interpretata da Didi Conn; il fantastico Syd Caesar nel ruolo del coach Calhoun. Ma queste nostalgiche presenze non bastano a dare lustro al film. Le dinamiche tra Pink Ladies e T-Birds, con complicazione della banda di motociclisti rivale, restano invariate, e anche la conclusione in cui uno dei protagonisti realizza che l’altro in realtà non aveva affatto bisogno di cambiare resta identica, seppure a ruoli invertiti. La regista Patricia Birch, già coreografa per Grease, non riesce a ricrearne la magia, anche perché la trama è perfino troppo semplice anche per un musical tradizionale e le sottotrame, affidate a personaggi poco caratterizzati, sono quasi inesistenti, mentre nel primo film alcuni comprimari come Rizzo e Kenickie erano interessanti quanto i protagonisti. Purtroppo Maxwell Caulfield, l’attore che interpreta Michael, è un belloccio privo di espressione che non riesce a conquistare lo spettatore. Inaspettatamente però conquista la ragazza, e qui bisogna fermarsi un attimo per parlare di quella che è senza dubbio la cosa più bella del film: Michelle Pfeiffer. Michelle, che qui aveva appena ventiquattro anni, ruba la scena a tutti con la sua bellezza irraggiungibile e i suoi sogni ad occhi aperti. Quando canta invocando un Cool Rider che la porti via dalla banalità quotidiana seduta in cima ad una scala è semplicemente meravigliosa: nessuno stupore che Michael decida di compiere follie per lei! Sappiate che, di questi due muffin, uno è tutto per Michelle!

Voto: 2 Muffin

La Donna alla Finestra

Titolo originale: The Woman in the Window

Anno: 2021

Regia: Joe Wright

Interpreti: Amy Adams, Gary Oldman, Anthony Mackie, Julianne Moore, Jennifer Jason Leigh, Fred Hechinger, Wyatt Russell

Dove trovarlo: Netflix

Anna Fox (Amy Adams) è una psicologa infantile che soffre di agorafobia e da anni non esce più di casa. Trascorre il tempo in compagnia del suo gatto, guardando la televisione, bevendo finché non viene raggiunta dal sonno e dagli incubi: la massiccia terapia di psicofarmaci cui si sottopone non sembra dare risultati. In questa situazione diventa normale per Anna trascorrere molto tempo alla finestra, osservando la strada e i vicini di casa. Quando la famiglia Russell si trasferisce nell’appartamento di fronte Anna incontra dapprima il figlio, il timido e introverso Ethan (Fred Hechinger), poi sua madre, l’allegra e amichevole Jane (Julianne Moore) e infine il padre, Alistair (Gary Oldman), dal carattere possessivo e violento. Alistair non gradisce che la dirimpettaia stringa legami con i suoi familiari e cerca di tenerla a distanza, ma quando Anna assiste dalla finestra all’omicidio di Jane non può evitare di rimanere coinvolta. Dalle indagini della polizia però la sua vicina Jane Russell risulta viva e vegeta… che sia stato tutto un incubo frutto della sua mente alterata?

A partire dal titolo stesso del film, La Donna alla Finestra esplicita i suoi richiami verso il capolavoro di Alfred Hitchcock La Finestra sul Cortile, in cui il giornalista James Stewart, immobilizzato da una gamba fratturata, si convinceva di aver assistito dalla sua finestra ad un omicidio. Giusto per ribadire il concetto, Anna guarda molto spesso vecchi film, tra cui proprio La Finestra sul Cortile ma anche Io Ti Salverò, altro film di Hitchcock affine per le tematiche affrontate (problemi psichici, rimozione di traumi, percezione alterata della realtà). Se nel film con James Stewart l’immobilità forzata era simbolo della riluttanza del protagonista a lasciarsi andare ai sentimenti per la bella Grace Kelly, in questo caso invece l’agorafobia (la paura degli spazi aperti e delle folle) scaturisce dalla difficoltà ad affrontare un trauma che ci viene rivelato (senza grosse sorprese, a dire il vero) solo in un secondo momento. Si tratta in entrambi i casi di una condizione che immobilizza i protagonisti, impedendo loro di vivere appieno la propria vita. Qui finiscono tutte le rassomiglianze con il film di Hitchcock: ci troviamo ad un livello decisamente più basso da ogni punto di vista. Il regista Joe Wright in passato si è dimostrato molto abile soprattutto nei film in costume, patinati eppure incisivi e divertenti come Orgoglio e Pregiudizio; purtroppo però non si mostra affatto a suo agio nel genere giallo/thriller, dove non riesce a costruire una suspense (non riceve nemmeno l’aiuto della colonna sonora di Danny Elfman, decisamente poco incisiva), a creare un mistero (la svolta finale è, come minimo, lapalissiana), a dare ambiguità ai personaggi. Questo non a causa degli attori, che invece si comportano tutti molto bene. Amy Adams accetta di sacrificare la sua bellezza per diventare una donna distrutta e disturbata, mettendo il suo talento al servizio di una protagonista con cui lo spettatore fatica, dall’inizio alla fine, a trovare empatia. Gary Oldman fatica a brillare a causa di una sceneggiatura balorda che, nel tentativo di dare ambiguità al suo personaggio lo rende poco efficace. Scintilla invece Julianne Moore in un ruolo vitale e cardinale, anche se di breve durata, mettendo in ombra la pur brava Jennifer Jason Leigh. Il migliore in campo, a sorpresa, è Wyatt Russell, l’affittuario ambiguo e misterioso, nonostante il personaggio venga usato come risolutore di tutte le storture della sceneggiatura. Riprovevoli, a mio parere, gli inserti come le macchie rosse sul tovagliolo, la mela rossa o i fiocchi di neve, nati sicuramente dal tentativo di richiamare le tecniche di Hitchcock (inserti e filtri cromatici per rappresentare una percezione distorta della realtà o un trauma affiorante) ma che qui non funzionano affatto. Purtroppo in questo film niente funziona: niente giallo, niente suspence, niente mistero, nessuno scavo psicologico interessante, nessun personaggio memorabile. Curiosità: anche se qui ha un ruolo molto piccolo come marito di Anna, Anthony Mackie ha da poco goduto di grande fama come protagonista della serie Disney Plus Falcon and the Winter Soldier, in cui interpreta appunto l’avenger Falcon che si incontra/scontra con il nuovo Captain America, interpretato guarda caso da Wyatt Russell. Il fatto che questa sia la curiosità più interessante di questo film la dice lunga sulla sua qualità, ahimè.

Voto: 1 Muffin

Le Avventure di Rocketeer

Titolo originale: The Rocketeer

Anno: 1991

Regia: Joe Johnston

Interpreti: Billy Campbell, Jennifer Connelly, Timothy Dalton, Alan Arkin, Terry O’Quinn

Dove trovarlo: Disney Plus

Il giovane Cliff Secord (Billy Campbell) vive in un tranquillo paesino di campagna fuori Los Angeles, dove insieme all’amico Peevy (Alan Arkin) progetta e pilota piccoli aerei acrobatici mentre pianifica un futuro con la bellissima fidanzata Jenny (Jennifer Connelly), che però non condivide la sua passione per il volo e la tecnologia. Una notte due malviventi, dopo aver rubato un innovativo e sofisticato prototipo di jetpack al magnate Howard Hughes (Terry O’Quinn), durante la fuga lo nascondono proprio nel piccolo hangar di Peevy. Quando Cliff lo trova, entusiasmato da quel congegno futuristico, decide di provarlo, nonostante le proteste di Peevy che ritiene sia troppo pericoloso. Dopo i primi goffi tentativi, Cliff impara a volare in scioltezza e a utilizzare la sua nuova abilità per compiere gesti eroici: in breve, tutti conoscono il misterioso eroe volante col nome di Rocketeer. Ma sono in molti a volersi impossessare di quel jetpack ad ogni costo, dai gangster di Los Angeles al celebre e affascinante attore di Hollywood Neville Sinclair (Timothy Dalton).

Il personaggio Rocketeer nasce dalle pagine dei fumetti di Dave Stevens e viene portato al cinema dalla Disney nel 1991 per la regia di Joe Johnston, fresco del grande successo del suo esordio Tesoro mi si sono Ristretti i Ragazzi (di cui è da poco stato annunciato il sequel) e destinato a diventare negli anni regista di una serie di ottimi film d’avventura (Jumanji, Pagemaster, Hidalgo, il primo Captain America). Questo film rientra perfettamente in tutti i canoni del genere “avventura per famiglie”, ma il suo grande pregio è di avere dei personaggi e degli eventi di contorno davvero accattivanti. La doppia ambientazione, tra la tranquilla vita di campagna e la pulsante e caotica metropoli di Los Angeles e della sua scintillante ma anche spaventosa Hollywood, è resa in modo molto efficace. Tutte le scene ambientate sui set del film in costume in cui il divo vanesio e crudele Neville Sinclair, interpretato da un ottimo giovane Timothy Dalton, sono molto divertenti e anche incisive nella critica, marginale ma presente, al divismo che da sempre contraddistingue l’establishment. Poi ci sono i gangster, all’apparenza truci e terrificanti, e naturalmente  l’FBI che dà loro la caccia; alla fine però si scopre che i veri cattivi della storia sono i neonazisti, un altro elemento sempre di grande impatto in una storia. Su tutto e su tutti, e non può essere altrimenti, troneggia Howard Hughes, un uomo che, con tutti i suoi meriti e le sua stranezze (geniale inventore, ricco magnate, grande produttore cinematografico, autorecluso per scelta, aviatore per diletto), inevitabilmente è divenuto spesso un personaggio del cinema, in questo caso non protagonista ma comunque determinante per lo sviluppo della trama e per l’appagante lieto fine. Stupisce che un attore, non eccezionale ma sicuramente fascinoso, come Billy Campbell, che interpreta Cliff, non abbia avuto una carriera più fortunata. Non è invece una sorpresa trovare una Jennifer Connelly come sempre stupenda ma del tutto inespressiva. Timothy Dalton, che era già stato James Bond nel film Vendetta Privata, questa volta invece ammalia e convince nel ruolo del cattivo egocentrico e megalomane, proprio del genere di quelli di solito combattuti da 007. Infine Alan Arkin si fa voler davvero bene nel ruolo del burbero dal cuore d’oro Peevy. Le scene di volo del jetpack restano ancora oggi molto ben fatte e divertenti per grandi e piccini e pur non mancando nessun clichè narratologico il film, tra scene d’azione, di inseguimento e d’amore, si lascia guardare con molto piacere. Dallo stesso fumetto e dal film stesso nasce  nel 2019 la serie Disney Junior Rocketeer, in cui una bambina si lancia in nuove avventure con il suo zainetto a razzo, disponibile su Disney Plus per chi, dopo aver visto il film, non ha ancora voglia di smettere di volare.

Voto: 3 Muffin

Ricomincio da Noi

Titolo originale: Finding your Feet

Anno: 2017

Regia: Richard Loncraine

Interpreti: Imelda Staunton, Timothy Spall, Celia Imrie

Dove trovarlo: Amazon Prime

Dopo aver scoperto il marito in flagrante tradimento con la sua migliore amica, Sandra (Imelda Staunton) abbandona il fedifrago, la casa e la sua vita lussuosa per rifugiarsi dalla sorella Bif (Celia Imrie). Bif la accoglie con affetto ma presto i caratteri opposti delle sorelle porteranno all’attrito tra le due: se Sandra è composta, seria e posata, Bif al contrario è esuberante, disordinata e passionale. Per aiutare Sandra, Bif la coinvolge suo malgrado in un corso di ballo. Inizialmente Sandra sembra rifiutare ogni aspetto della vita della sorella, dalla marijuana alle sue frequentazioni, poi, poco alla volta, si lascia travolgere dalla sua energia e dal suo amore per la vita, fino a riscoprire se stessa, attraverso la danza (in cui eccelleva da bambina) e anche grazie a un sentimento inaspettato che la legherà sempre di più allo scapestrato (ma solo in apparenza) Charlie (Timothy Spall).

La storia del cinema in generale, e quella del cinema inglese in particolare, trabocca di storie in cui i personaggi, dopo una crisi esistenziale ed emotiva, ritrovano se stessi e la gioia di vivere grazie all’espressione, spesso artistica, della loro personalità più autentica. Succede ad esempio in Billy Elliot, Full Monty, Calendar Girls, tutte ottime commedie di formazione. Ricomincio da Noi appartiene allo stesso filone, sebbene sia un film dolceamaro che alterna momenti comici a momenti drammatici senza far prevalere nessuno dei due toni, anche se, forse proprio per questo suo essere ibrido, risulta meno riuscito degli altri che ho portato ad esempio. La forza del film quindi non si trova nella trama, piuttosto convenzionale, e nemmeno nei personaggi, che sono i caratteri tipici del genere, ma nel talento degli attori che, pur imbrigliati in questa struttura consolidata che non si prende alcun rischio riescono a restituire dei personaggi che, se non a tuttotondo, diventano delle figure aggettanti cui ci si affeziona e di cui si seguono con piacere le vicissitudini. Se il contrasto tra Imelda Staunton e Celia Imrie è il cuore della storia, il vero elemento d’interesse è il personaggio di Charlie, interpretato con spigliata dolcezza da Timothy Spall. Una curiosità: anche se non recitavano insieme, Imelda Staunton e Timothy Spall hanno preso entrambi parte alla saga di Harry Potter interpretando due personaggi spiacevoli, la tirannica preside Dolores Umbridge e il traditore Codaliscia. Consigliato a chi ha un debole per gli attori inglesi, per i film in cui si balla, per chi ama le storie leggere di riscatto personale, per chi vuole godersi un gruppetto di attempati ballerini inglesi che se la spassa per le strade di Roma.

Voto: 3 Muffin

Terminal Velocity

Anno: 1994

Regia: Deran Sarafian

Interpreti: Charlie Sheen, Nastassja Kinski, James Gandolfini

Dove trovarlo: Disney Plus (Stars)

Richard Brodie detto “Ditch” è un istruttore di volo e di paracadutismo che sa cosa siano le regole e la disciplina. Un giorno si presenta da lui una bellissima sconosciuta che dice di chiamarsi Chris (Nastassja Kinski) e che smania per una lezione di volo immediata. Ditch accetta, sperando di far colpo su Chris, ma quando sono sull’aereo la ragazza, senza spiegazioni, si lancia nel vuoto. Ditch sta ancora cercando di darsi pace per l’accaduto quando si imbatte nuovamente in Chris, che gli rivela di chiamarsi in realtà Krista e di essere un agente del KGB in missione; la ragazza trovata morta era invece la sua compagna di stanza, di cui lei ora deve trovare l’omicida. Se vuole essere scagionato da ogni accusa Ditch non ha altra scelta che collaborare con Krista e aiutarla nella sua pericolosa missione…

Charlie Sheen è forse l’ultimo nome che ci si aspetterebbe di trovare nel catalogo di Disney Plus, viste le sue burrascose vicissitudini personali legate all’uso di droghe e alla violenza domestica: eppure, grazie all’acquisizione della piattaforma Stars, film e serie tv per adulti sono diventati molto più numerosi. Terminal Velocity è un film d’azione di stampo molto classico, senza eccessiva violenza e con giusto qualche parolaccia e alcune battute non adatte ai minori (“Io non sono solo un pisello con le gambe, sono un pisello con le ali!”), con i suoi canonici colpi di scena (senza grosse sorprese) e un mix di azione e comicità, affidata alle battute di Ditch e al contrasto tra i due caratteri opposti dei protagonisti che si ritrovano, sempre da manuale, insieme per forza. Ditch è un ribelle, scapestrato, superficiale e donnaiolo, mentre Krista è un agente segreto serio, professionale e devoto alla causa; inutile dire che tra i due ci saranno dapprima scintille e poi, man mano che iniziano ad aprirsi e confrontarsi, del tenero. A prescindere da ciò che si può pensare di lui come uomo, Charlie Sheen è da sempre un buon attore comico che sa essere fascinoso e divertente al punto giusto, come il duetto di film Hot Shots! ha dimostrato. Nastassja Kinski è molto brava a cambiare atteggiamento, da stuzzicante e seriosa a romantica, senza che il suo fascino diminuisca mai. Per una serata senza pensieri (ma va bene anche a colazione), con un po’ di azione retrò, qualche risatina e alcuni simpatici svolazzamenti.

Voto: 3 Muffin

Assassinio sull’Orient Express

Titolo originale: Murder on the Orient Express

Anno: 2017

Regia: Kenneth Branagh

Interpreti: Kenneth Branagh, Johnny Depp, Judi Dench, Penelope Cruz, Josh Gad, Willem Dafoe, Michelle Pfeiffer, Olivia Colman, Derek Jacobi, Leslie Odom Jr., Tom Bateman

Dove trovarlo: Disney Plus

Gerusalemme, 1934: Hercule Poirot (Kenneth Branagh), il detective più famoso al mondo, dopo l’ennesimo caso risolto brillantemente è pronto per godersi una meritata vacanza quando viene chiamato a Londra per un nuovo mistero da risolvere. Fortunatamente l’amico Bouc (Tom Bateman), direttore dell’Orient Express, riesce a trovargli un posto sul lussuosissimo treno. L’investigatore belga non tarderà a notare che alcuni dei suoi compagni di viaggio nascondono dei segreti e hanno comportamenti sospetti. Il magnate Edward Ratchett (Johnny Depp) gli offre anche un generoso compenso per fargli da guardia del corpo, poiché con i suoi affari poco puliti si è fatto molti nemici e in seguito ad alcune minacce ora teme per la sua vita. Poirot rifiuta, ma quando Ratchett viene trovato ucciso nella sua cabina Bouc lo scongiura di trovare l’assassino…

Sono da sempre una grande appassionata dei gialli di Agatha Christie, perciò non solo ho letto il libro da cui il film è tratto ma ho visto, molte volte, la versione cinematografica precedente, diretta da Sidney Lumet nel 1974, che vantava un cast stellare (Lauren Bacall, Anthony Perkins, Ingrid Bergman, Sean Connery, Jean-Pierre Cassell, Martin Balsam, Vanessa Redgrave, Jacqueline Bisset, Richard Widmark…) e si fregiava dell’ottima interpretazione di Albert Finney nei panni dell’investigatore belga “dalla testa a forma di uovo”. Altre ottime interpretazioni di Hercule Poirot, protagonista di numerosissimi romanzi e racconti scritti dalla Christie, sono state offerte, sia per il cinema che per la televisione, da Peter Ustinov e David Suchet. Questo per dire che la materia mi è non solo familiare ma anche molto cara e ho affrontato la visione con un misto di eccitazione e terrore di restare delusa. Ho un’opinione oscillante di Kenneth Branagh, ho apprezzato molto alcuni suoi lavori (Thor come regista e I Love Radio Rock come attore) e molto meno altri (Frankenstein e più recentemente Artemis Fowl) ed ero molto curiosa di sapere che approccio aveva scelto per questo nuovo adattamento di un così celebre capolavoro del genere giallo che ha già avuto ottime trasposizioni cinematografiche e televisive. Mi è bastata la prima scena, in cui Poirot risolve un caso di furto a Gerusalemme (anche se in realtà la sequenza è stata girata a Malta) utilizzando il suo bastone infisso tra i mattoni del Muro del Pianto per bloccare la fuga del colpevole, per capire che qualcosa non andava. La scena, assente sia nel libro che nei film precedenti, è stata evidentemente aggiunta allo scopo di presentare il personaggio a chi non lo conosce: presentarlo come un esperto di strategie di fuga criminali è quantomeno fuorviante. Il vero Poirot non si sarebbe mai sognato di tentare di prendere un criminale in fuga (rischiando tra l’altro di rovinare il suo bastone): per questo c’erano il buon Hastings e l’Ispettore Japp, mentre a Poirot spettava solo il compito di utilizzare le sue “celluline grigie”. Allo stesso modo, Poirot non si sarebbe mai sognato di pestare una cacca di mucca con il piede destro solamente perché la scarpa sinistra si era già sporcata di letame! Questa ossessione per l’ordine, la precisione e la simmetria, che nel personaggio di Agatha Christie caratterizza in effetti il personaggio, viene estremizzata in modo tale che Hercule Poirot si trasforma nel Detective Monk (personaggio televisivo che adoro, interpretato magistralmente da Tony Shaloub). L’impressione è che Branagh, qui nel duplice ruolo di attore e regista e lo sceneggiatore Michael Green abbiano tentato di fare con Poirot ciò che Guy Ritchie ha fatto con Sherlock Holmes. Ma se per l’investigatore inventato da Arthur Conan Doyle l’operazione è perfettamente riuscita, grazie al ponderato bilanciamento tra azione, suspense e ironia, qui invece è fallita senza appello. Non solo l’ironia è totalmente assente dal film e dal personaggio, ma il tutto assume addirittura toni cupi e melodrammatici, con sprazzi di autocommiserazione (con tanto di impossibile foto di donna amata) moralizzazione non richiesta, del tutto estranei ai libri di Agatha Christie. Per chi poi, come me, è da sempre affezionato al personaggio di Poirot, vederlo saltellare sopra il treno o inseguire il malfattore arrampicandosi tra le impalcature è davvero insostenibile. Per il resto non ci sono novità di sorta rispetto al romanzo o agli adattamenti precedenti, gli attori fanno tutti il loro dovere e la trama non viene stravolta, salvo una connotazione tragica del finale davvero superflua. Judi Dench, ovviamente, non sbaglia mai; Penelope Cruz, come Ingrid Bergman prima di lei, accetta di imbruttirsi e di avere un personaggio fastidioso; Josh Gad è molesto come suo solito; Willem Dafoe è Willem Dafoe e non serve altro; Michelle Pfeiffer si carica della parte psicologicamente più pesante (per lei e per lo spettatore) con fascino e bravura; Leslie Odom Jr. (visto nel musical Hamilton) nel ruolo che fu di Sean Connery introduce un inedito personaggio di colore che viene però caricato e connotato eccessivamente (il passato da cecchino, l’amore proibito, lo sparo) rispetto ad altri che restano un po’ sullo sfondo (come Willem Dafoe). Non deve essere per nulla facile gestire tanti personaggi e tante star allo stesso tempo, ma Branagh non riesce a trovare il giusto equilibrio tra i ruoli, i personaggi e i cambiamenti apportati ai loro caratteri e alle loro storie personali. In conclusione, io non ho visto proprio nulla di buono in questo film e non ho trovato un motivo per giustificare l’idea di questa nuova trasposizione. Ma forse mi è sfuggito qualcosa, visto che sono già terminate le riprese di Assassinio sul Nilo, con Kenneth Branagh ancora nei panni di Hercule Poirot. Chissà se anche questa volta la giustificazione per il silenzio imbarazzato della folla alla sua freddura sarà “Scusate ma non so raccontare le barzellette, sono belga”.

Voto: 1 Muffin Ipocalorico

Fratello, dove sei?

Titolo originale: Oh Brother, where art thou?

Anno: 2000

Regia: Joel Coen

Interpreti: George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson, John Goodman, Charles Durning, Wayne Duvall

Dove trovarlo: Netflix

Mississippi, inizio anni 30’. Ulysses Everett (George Clooney), costretto ai lavori forzati, convince i due detenuti incatenati insieme a lui a fuggire per cercare un tesoro nascosto. Abbagliati dai sogni di libertà e ricchezza Pete (John Turturro) e Delmar (Tim Blake Nelson) acconsentono e i tre si ritrovano presto a vivere mille avventure tra stranissimi incontri e inseguimenti delle forze dell’ordine, fino a giungere non ad un forziere colmo di monete d’oro ma alla moglie di Everett, che si deve risposare il giorno successivo…

Ho visto questo film alla sua uscita al cinema nel pieno del mio “periodo Clooney” e l’ho trovato surreale ed esilarante. Ad una nuova visione in lingua originale (grazie a Netflix) però ho avuto modo di apprezzarlo ancora di più e di cogliere molti riferimenti e sfumature che in passato mi erano sfuggiti, regalandomene un’opinione ancora più alta. Il bizzarro titolo deriva da un sottile gioco metacinematografico: nel film di Preston Sturges I Dimenticati (1941) il protagonista, il regista cinematografico Sullivan, doveva compiere un viaggio per vivere sulla sua pelle le tribolazioni dell’uomo medio e raccontarle poi nel suo film, che si sarebbe intitolato appunto Oh Brother, where art thou?. Mentre un uomo medio il nostro Ulysses Everett lo è davvero, nonostante condivida il nome con l’eroe Ulisse: certo è il più intelligente del trio, ma a dire la verità per questo ci vuol poco. Pete di fatto è un disadattato, mentre Delmar un ingenuo sprovveduto: con la sua parlantina senza freni Everett non fatica molto a convincerli a seguirlo sulle tracce del fantomatico tesoro. Nasce così un trio comico davvero irresistibile, grazie al talento dei tre attori. Sarò sempre convinta che George Clooney, per quanto sia ammirevole il suo impegno a livello artistico, politico e ambientalista, abbia sempre dato il meglio di sé come interprete di commedie o film di altri generi in cui aveva ruoli brillanti: Ocean’s Eleven, Prima ti Sposo poi ti Rovino (sempre dei fratelli Coen, non a caso), per citare i più riusciti.

John Turturro e Tim Blake Nelson (che diventerà Buster Scruggs sempre per i Coen) gli fanno da ottime spalle, teneri e comici nelle giuste proporzioni. Come viene detto all’inizio del film, Fratello, Dove sei? si ispira liberamente all’Odissea: infatti i fratelli Coen non avevano mai letto il poema di Omero (pare che sul set Tim Blake Nelson fosse l’unico ad averlo fatto) ma hanno comunque fatto un ottimo lavoro nell’amalgamare le epiche gesta dell’eroe greco Ulisse con la descrizione del profondo Sud degli Stati Uniti e di tutti i suoi elementi caratteristici (compreso il Ku Klux Klan). Il tono beffardo e ironico scelto dai registi e sceneggiatori Joel e Ethan Coen crea una commistione perfetta e senza stonature di archetipi, immagini, personaggi e musica tra due mondi, il Mississippi e l’antica Grecia dei poemi epici, che più distanti non potrebbero sembrare. I riferimenti diretti all’Odissea sono moltissimi e chi ha avuto la gioia di leggere il poema di Omero (o, come nel mio caso, di farselo narrare più volte dall’instancabile Papà Verdurin) si divertirà molto a riconoscere tutti i personaggi e le situazioni che vi fanno riferimento.

I più evidenti sono le sirene ammaliatrici, che con la loro voce e le loro grazie seducono senza alcuno sforzo i nostri eroi (con il piccolo contributo di un bottiglione con sopra tre grosse X). Avviene inoltre una fusione tra le sirene e il personaggio della maga Circe, che nel poema trasformava gli uomini in maiali: qui invece le sirene, apparentemente, sono in grado di tramutare gli uomini in rospi. Il ciclope Polifemo, che ha il faccione molto meno amichevole del solito di John Goodman.

Omero stesso, nei panni di un vecchio cieco che conosce il futuro (e dunque un po’ Omero e un po’ Tiresia), compare proprio all’inizio della fuga. Questi i rimando più semplici da individuare, ma ad un’analisi più attenta ce ne sono molti altri. L’avventura di Ulisse è narrata da lui stesso in flashback: il poema infatti descrive l’approdo del re di Itaca, solo e stremato, nell’isola dei Feaci, dove il re Alcinoo lo accoglie e lo invita a narrare la sua storia. Parallelamente le avventure dei nostri galeotti iniziano da una sperduta stazione radio in cui vengono invitati, contro ogni logica, ad incidere alcune canzoni popolari, che, come scopriremo solo più avanti nella visione, descrivono perfettamente la situazione di Everett, Man of Constant Sorrow perché separato dalla moglie cui si riferisce anche You are my Sunshine. Anche se le voci non sono quelle degli attori (che hanno cantato in playback) la colonna sonora di questo film è davvero azzeccata, bella e divertente, e accompagna benissimo le scene più rocambolesche e quelle più bizzarre con i toni scanzonati del country, a partire dalla sigla di apertura Big Rock Candy Mountain. Un’altro prelievo dall’Odissea, secondo me molto divertente, riguarda i due aspiranti governatori del Mississippi impegnati nella campagna elettorale, Homer Stokes (Wayne Duvall) e Pappy O’Daniel (Charles Durning). Spesso i nostri tre fuggitivi si ritrovano senza volerlo invischiati nella lotta tra i due politicanti, che cercano, a seconda delle circostanze, di ucciderli o di farseli amici. Mi è venuto da pensare che i Fratelli Coen volessero qui raffigurare Scilla e Cariddi, i due enormi mostri marini che Ulisse si trova a fronteggiare con il suo equipaggio: entrambi gli uomini sono di stazza imponente infatti, e Pappy non si muove senza i suoi tre tirapiedi, che per la loro attitudine sottomessa e servile sono quasi un tutt’uno con lui, proprio come il mostro Scilla aveva molte teste. Così come Ulisse supera i mostri passando esattamente nel mezzo tra i due, così i nostri sopravvivono sfuggendo al confronto diretto con ciascuno dei due e con le forze dell’ordine (che danno loro la caccia con grande ostinazione) in generale.

Anche il finale del film rimane aderente a quello di Omero: quando Everett finalmente raggiunge la moglie la trova in procinto di sposarsi con un altro uomo, dopo aver raccontato alle loro sei figlie che il padre è morto. Anche Ulisse, quando dopo dieci anni riusciva a tornare ad Itaca, trovava la moglie insidiata dai Proci (i suoi chiassosi e smargiassi pretendenti); Penelope però aveva sempre sperato nel ritorno del marito e ne aveva tenuto vivo il ricordo nel figlio Telemaco. Un’ultima osservazione, forse arbitraria, ma che ho trovato molto divertente: nelle sue avventure Ulisse  sempre aiutato e protetto da Atena, la dea della sapienza: la dea gli infonde arguzia e sagacia quando serve, ma ne altera anche l’aspetto fisico al bisogno (ade sempio lo rende più attraente agli occhi di Nausicaa, la figlia del re Alcinoo, al fine di assicurargli ospitalità e protezione alla corte dei Feaci). Sembrerà assurdo, ma nel film la stessa funzione è svolta… dalla brillantina per capelli! Everett è ossessionato dalla sua capigliatura, tanto da dormire con una retina per proteggere i capelli anche quando si trova in una stalla. Il nostro eroe sembra addirittura perdere le proprie facoltà intellettive quando esaurisce la brillantina e non è disposto a scendere a compromessi: non va bene una marca qualsiasi perché lui è “un uomo Dapper Dan”. Sia come sia, ho trovato esilarante vedere George Clooney così impegnato a pettinarsi e impomatarsi i capelli lungo i fossi o in mezzo al bosco, con gli abiti da galeotto e la faccia sporca di terra. Credo che pochi altri attori sarebbero potuti risultare così affascinanti, disinvolti e divertenti nel ruolo di questo Ulisse moderno. Consiglio senza remore la visione di questo film a tutti coloro che amano ritrovare gli antichi miti nel mondo moderno, a chi ama le commedie, lo humor peculiare dei fratelli Coen e George Clooney, le avventure e la buona musica, le mucche e la brillantina.

Voto: 4 Muffin

Predestination

Anno: 2014

Regia: The Spierig Brothers

Interpreti: Ethan Hawke, Sarah Snook, Noah Taylor

Dove trovarlo: Amazon Prime

Tratto dal racconto di Robert A. Heinlein Tutti voi zombie del 1959, Predestination si apre con una scena di caccia ad un attentatore che si conclude tragicamente per l’inseguitore, il quale rimane gravemente ferito e ustionato. Con uno stacco ci ritroviamo molti anni dopo in un bar. Il nuovo barista inizia con un avventore una normale conversazione di cortesia tra sconosciuti ma insiste poi per farsi raccontare tutta la sua storia. Il cliente lo avverte: si tratta di una storia davvero scioccante, che lo lascerà senza parole. il barista non si lascia dissuadere e così inizia un lungo e incredibile racconto…  

Non rivelerò altri dettagli della trama non tanto per l’accortezza deontologica verso gli spoiler, quanto perché se la raccontassi nessuno crederebbe mai che questa possa essere davvero la trama di un film. Non so come la storia si sviluppasse nel racconto da cui è tratto (il cui titolo tra l’altro viene citato scevro di contesto nel film generando un ulteriore senso di confusione nello spettatore), ma per quanto riguarda il film ci troviamo di fronte ad una malsana dimostrazione di cattivo gusto mascherata da curiosità per le ipotesi scientifiche più azzardate. Mi sono venuti in mente i protagonisti di The Big Bang Theory, che nel loro salotto avrebbero potuto facilmente sbizzarrirsi in ipotesi sui paradossi dei viaggi nel tempo, e questa diciamo che è la parte interessante, quella teoretica sul “cosa accadrebbe se si potesse viaggiare nel tempo e cambiare il passato?”. Tutto il resto non è che un guazzabuglio di aberrazioni etiche e psicologiche che al termine della visione lasciano un senso di disgusto difficile da dimenticare. Dunque, volendo trovare un pregio a questo film, è quello di non essere facilmente dimenticabile. I due protagonisti, che sono anche gli unici personaggi su cui si regge la trama, interpretati da Ethan Hawke e Sarah Snook, sono talmente assurdi, irreali e psicologicamente contorti che non saprei nemmeno giudicare la performance degli attori. Si salva il comprimario Mr. Robertson (Noah Talor), anche se le sue motivazioni restano imperscrutabili. In conclusione, se amate le elucubrazioni sui viaggi nel tempo e non temete la conseguenze più nefande che esse possono avere, potete tentare di guardare Predestination. Ma non dite che non eravate stati avvertiti!

Voto: 1 Muffin Ipocalorico